王 森
（河南大学 艺术学院，河南 开封 475001）
浪漫主义作为一种浪漫倾向在中西历史上的各个时期一直存在。浪漫主义运动始于十八世纪末社会发生剧变之时，它反对古典主义的秩序、唯理性主义和对个性的压制，是一个风格多样的运动，但中心的主题是共同的，即对自由和大自然的热爱，对异国情调或已逝的历史的迷恋，对生活中惊心动魄、暗晦神秘的事物的偏好，对人本身难以理解的心灵上的困惑和焦虑的关注。在历史的长河中，浪漫主义对中西方油画创作产生了重要影响。
在当代日趋多变的油画风格中，浪漫主义风格无疑仍是当前油画创作中不可或缺的艺术倾向。本文梳理浪漫主义手法对中国当代油画创作的重要影响，并从不同角度探索了浪漫主义手法如何运用于现代油画的创作的问题，为当代油画创作摆脱现实的羁绊，发挥艺术家的想象和创造，产生更多创新型作品提供新的视角。
一、浪漫主义在当代油画创作中的表现
徐悲鸿、何多苓、朝戈三位大师级人物一直是当代油画的代表，他们的创作一直受到浪漫主义的深刻影响并呈现出强烈的浪漫主义特质，通过他们艺术创作与浪漫主义之间的关系可以窥视整个当代油画创作与浪漫主义之间的关系。因此，本文选择他们作为研究对象。
（一）徐悲鸿艺术的浪漫主义本质。
徐悲鸿不仅是一位写实主义画家，他更多的是一位具有强烈浪漫主义意识和浪漫主义情怀的画家。“浪漫主义”特质贯穿于徐悲鸿艺术生涯的始终，并且也普遍存在于他的几乎所有的艺术领域。徐悲鸿在步入艺术的早期就流露出了浪漫主义的艺术本质，早期的艺术中就包含了他那富于幻想、敢于挑战自我、执着追求理想的浪漫成分，写实主义的手法仅仅是他的艺术创作的手段，那种自然流露出来的给人以无限遐想的“情在形外”的浪漫主义特征才是本质，例如1918年徐悲鸿给梅兰芳画像《天女散花图》，作品想象大胆，深深融入了他的浪漫主义气息。
（二）何多苓艺术的笔随心走。
何多苓是一位气质和追求都颇为奇特的画家。何多苓作品风格变换，大致分为三个阶段：第一阶段，苍凉诗意，代表作《春风已苏醒》，表现的是异乡生活情节的重新组合，是对生活印象的神秘再现，是人与大自然神秘关系，充满了年轻的激情和梦想，充满了诗意浪漫与忧郁，极富唯美色彩。第二阶段，神秘荒诞，这一阶段他开始改变画风，1991年开始，何多苓开始改变画风，画的是中国式背景，古代的故事情节和精神，荒诞而简约的带有中国符号的古画，代表作《金瓶梅》。第三阶段，冷静客观，这一阶段画家更关注技法，诗意被画家隐藏在画的下面，最后得到一种由复杂性构成的单纯表面，代表作《飞行的婴儿》。在何多苓的思想里，一种沉思的、优雅的成分同一种不安的、忧郁的批判意识交织在一起，始终纠缠不休。而在思想之外，他又必须面对诗的精神对他的内在召唤，这种召唤既是一种诱惑，又是一种压迫。这一切都在他的作品中留下了痕迹。看何多苓的画，就仿佛吟咏一首哀怨蜿蜒的纳兰词，两者都能体现出一种蕴含社会历史内容的人生空幻的时代感伤，而在这深沉喟叹中，又漫溢着一种高贵的浪漫主义气质。
（三）朝戈艺术创作中的浪漫主义理想。
崛起于上世纪80年代后期中国画坛的青年画家朝戈，是一位注重个体内在经验并对现实生活有深刻感悟的画家。在他身上，融合了理性和感性的两种气质，他的理性气质中也带有浪漫主义情怀，这构成了他作品的双重特征：一方面，带有理性的思辨力量，另一方面，却带着一个陷于存在的困惑之中的现代人的直觉式的感悟和想象的热情。他的作品题材都是不断在普通人与草原风景之间来回移动。前者表现了平凡个体在现实社会中的生存状态，后者则抒发了一种白云苍茫般的沧桑意味。他画中的人物常是现实中的普通人形象，而风景则传达出一种超越现实的意味。代表作《西部》中，画家的心灵完全溶解在广漠的自然和淳朴的人性中，在灿烂的阳光下享受着永恒的静穆。画中人物极富表情的变化，显示出一种鲜明的心理特征和强烈的内心感受。现实的人物被放置在带有理想主义和超越现实意味的背景之前，原始的活力、狂放的意绪﹑无羁的想象在这里得到了充分的表现。
通过对以上几位艺术家，以及他们的作品的简单分析中可以看出，浪漫主义对中国当代油画创作产生了并仍在产生着重要的影响。正是因为当代油画艺术创作者具有的浪漫主义情结，他们在不同的创作中体现出了共同的对美的诉求，对理想的向往，这是人类精神内涵中的共通与永恒之处。如何更好地运用浪漫主义手法进行油画创作应该成为当代油画创作者认真思考的问题。
二、如何运用浪漫主义手法进行油画创作
（一）选择好创作题材。
苏格拉底说：“绘画的任务是表现活生生的人的精神与他们最内在的东西。艺术并不是对现实的模仿，而是对现实的研究。浪漫主义是坚信精神的本性的。”因此，精神方面的材料就是浪漫主义创作的立意，题材与内涵，其中任何事物都是恰当的题材——感性世界和超验世界﹑现实与梦幻的狂想﹑崇高与优美，一切都可以和其他任何东西相融合，就像实际如此一样。这便是维克多·雨果在他的剧作《克伦威尔》序言中提出来的浪漫派纲领。
（二）传承传统文化。
卡西密尔兹·布洛森斯基写道：“古典派所需要的是具有较高素养的趣味，而浪漫派则要求直觉具有较高的素养。”创作的原动力是对传统文化的继承。就是说不应该排斥画以外的东西如哲学、美学、科学等其他门类。同时，一定要加强和提高个人修养。画不能是思想图解，我们的思想应该自然而然地外化于作品中，一个艺术家要持有艺术的真诚，还要有时代、历史感，进而关心画面以外的东西，如哲学、美学、科学等其他门类。艺术的目的不仅仅是美，也不仅仅是形式的完善，而是要创造出人们感兴趣的东西。
（三）发挥个人的创造性，将浪漫主义思维运用到油画创作中。
1.彰显自己的特色
我们应该要让自己头脑保持对艺术的敏感和激情。在创作一幅作品前，是要通过作品传达自己的一种审美理想，一种精神世界，把某种气质、某种情绪表达到极致。任何人各方面的条件不同接触的也不同，对美的看法感受也就不同，因此产生多种审美观。对个人的爱好进行争论，就会不断地扩大视野，扩大知识的范围，从而就学会如何思考。只有广泛地涉足于各种场合，才能细腻地审美，才能产生更好更多的艺术灵感。
2.发挥联想和想象力
联想和想象是一种独特的思维方法，美术创作中重要条件之一。黑格尔把艺术想象看做是艺术创作的核心，认为想象联想是艺术家构造形象的能力，诸多的外在材料加上艺术家主观的情感，只有通过想象联想，才能转化为现实形象。与科学一样，缺乏想象力的艺术创作，是不可能有永恒的生命力和感染力的。浪漫主义手法创作需要创造性地运用想象力。艺术家在搜集素材中，总是尽可能扩展思绪，超出常规，赋予作品最新的内涵和感受；在创作时，总是超越自我，推陈出新。只有积极地开动脑筋，从不同的手法内涵以及色彩表现，形式结构等方面充分的展开联想，挥动想象的翅膀，不拘于现实的背景和个别的经验，才能创作出更多更美的作品。
3.把握好情感对创作过程的影响
情感是创作的动力契机。油画的创作是带着对生活所激发的炽热情感从事创作的，作品也是反映作者的修养、经历、知识、生活、技巧，是画家的人生观、艺术观、思想境界和艺术境界在作品中的总体现。生活是艺术的源泉，是艺术表达的对象。一幅好的作品该是情感的凝聚，而没有情感的作品是空洞苍白的。艺术家在创作的时候必须把情感凝聚到事物的形象上，否则作品的感染力为零。作品缺乏情感就不会给人以美感和启迪，从而失去价值。
4.提高创新能力
在文化艺术领域，培养创作能力对从事创作主体至关重要。创作主体如果没有这种创新的能力，也就谈不上在艺术领域中创出卓越的作品，艺术也就不会有如此辉煌的变革及发展，世界绘画史上也就不会有这幺多的传世佳作让世代人赞叹不已。达·芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗等艺术大师正是通过不断创新，创作出了《蒙娜丽莎》、《雅典学院》、《创世纪》等众多的世界名画。我们在油画创作中培养自己的创新能力，就是要培养自己的预见性、超越性、敢于突破思维定势，不被束缚。同时累积自己的基本功，努力在表现形式艺术风格及工具材料的运用上进行创新。
三、结语
浪漫主义在发挥其优势作用的同时，也展现出了其局限性，就是过于理想化，带有虚无主义色彩和非现实主义性质，它的局限性在不同的历史时期会限制它的发展。但是人们要在喧嚣浮华的现代世界中沉静下来，寻找灵魂的皈依之所，在艺术创作中合理运用浪漫主义不失为重要出路之一。在这个幸运但又平庸的时代，在这个讲求功利与实用的商业社会，我们可能已经不会再为美的易碎而眩然不忍，不会再为所谓的“生命无法承受之轻”而彻夜难眠，但无论如何，还是让我们像十八世纪的法国人所召唤的那样，为拥有一颗多情的心灵而自豪；让我们把浪漫的心融入当代油画创作中，通过此，诗意地栖居于这个时代和社会。
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